Сергей Рахманинов – Фёдор Шаляпин: два современника и гения вне времени

 

В Органном зале Государственной консерватории Узбекистана 19 октября 2024 г. состоялся необычный концерт из цикла "Русский язык. Читаем, слушаем, смотрим", посвящённый двум гениям: композитору Сергею Рахманинову (1873-1943) и певцу Фёдору Шаляпину (1873-1938). В программе под названием «Сергей Рахманинов – Фёдор Шаляпин: два гения вне времени» участвовали лауреаты всероссийских и международных конкурсов: Дарья Клименко (меццо-сопрано); Дмитрий Романько (бас); Ольга Свешникова (чтец); Сергей Семёнов (музыкальное сопровождение - фортепиано).

Прошлый 2023 год был ознаменован 150-летием двух гениев русской культуры – композитора, пианиста, дирижёра Сергея Васильевича Рахманинова и певца, актёра, режиссёра Федора Ивановича Шаляпина. Разными путями они пришли в музыку и оба оставили громадный след в истории мировой музыкальной культуры первой половины XX века, прославив Россию и русскую музыку. Их имена навсегда останутся в памяти потомков.

В честь 150-летнего юбилея двух великих современников в Узбекистане были открыты выставки в Русском доме и ГАБТ им. А. Навои: «Сергей Рахманинов – Федор Шаляпин: параллели и пересечения». Они были организованы Министерством культуры РФ, Российским национальным музеем музыки и Русским домом в Ташкенте и рассказывали о жизни двух талантливых личностей, о сходстве и различии их судеб и творческих путей.

В Государственном академическом Большом театре им. А. Навои в Ташкенте с большим успехом прошёл концерт, посвящённый двум гениям Серебряного века, в котором прозвучали произведения из их репертуара. С тех пор интерес к творчеству Сергея Рахманинова и Фёдора Шаляпина в общественности значительно вырос, поэтому Органный зал ГКУз был переполнен до отказа в день гастролей российских артистов.

Они были современниками, ровесниками. Оба родились в 1873 году. Оба достигли наивысших высот в искусстве. Сергей Рахманинов был гениальным композитором, пианистом и дирижёром. Федор Шаляпин - великим артистом, феноменальным певцом. И вместе с тем, сравнивая двух русских гениев, все отмечали абсолютную несхожесть их натур. Одна из современниц писала: «Шаляпин - динамика, огонь, беспокойство, Рахманинов - сосредоточенное спокойствие, углублённость. Шаляпин бесконечно говорил, жестикулировал, «играл»; Рахманинов слушал, улыбался своей доброй улыбкой». Но, несмотря на такое внешнее и внутреннее различие, в жизни они были очень близкими друзьями. Их связало совместное творчество и, прежде всего, большой талант.

Выступавшие московские артисты смогли создать и показать инсценировку, в которой чтец Ольга Свешникова проследила хронологию событий, связавших двух духовных собратьев музыкой и любовью к вынужденно покинутой родине из-за революционных событий в России. Хроника жизни была обогащена музыкой С. Рахманинова, русскими романсами, оперными партиями и народными песнями из репертуара Фёдора Шаляпина.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                        

     В программе прозвучали любимые романсы С. Рахманинова: «На холмах Грузии лежит ночная мгла»; «В моей душе»; «В молчанье ночи тайной»; «Весенние воды» и др.  (Дарья Клименко).

Сергей Семёнов на фортепиано виртуозно исполнил фрагменты наиболее известных рахманиновских произведений – Концерт №2 для фортепиано с оркестром; «Цыганское каприччио»; «Весенние воды», «Элегия», арии из оперы «Алеко» «Жизнь за царя» и многие другие сочинения.

Бас Дмитрий Романько свободно входил в романтический образ Алеко из ранней одноимённой оперы «Алеко» С. Рахманинова и знаменитого представителя сил зла в двух произведениях. Сначала он исполнил партию Мефистофеля в опере Шарля Гуно «Фауст», потом партию ассирийского полководца Олоферна в опере Александра Серова «Юдифь». Работа Шаляпина над ролью Ивана Сусанина в опере Михаила Глинки «Жизнь за царя» — еще один пример того, что знаменитый бас размышлял не только над вокальными партиями, а над всем образом, вплоть до мелочей. Таким его смог воссоздать без грима и театрального костюма Дмитрий Романько. Московский бас из всех партий «Бориса Годунова» М. Мусоргского, которые знал Шаляпин наизусть, преподнёс ташкентским зрителям самую сложную – царя Бориса и партию Ивана Грозного из оперы «Псковитянка» Н. Римского-Корсакова. Оперные арии дополнили песни из золотой коллекции Шаляпина: «Блоха», «Вдоль по Питерской», «Не пой, красавица, при мне…» и др.

 Чтец Ольга Свешникова подробно рассказала, что знакомство Рахманинова и Шаляпина состоялось во время работы в Московской частной опере Саввы Ивановича Мамонтова. Савва Иванович обладал редким качеством находить одарённых людей и помогать им. Именно Мамонтов поверил в большое будущее Фёдора Шаляпина. В 1896 г. он пригласил артиста вступить в труппу своего театра. А годом позже Мамонтов пригласил нового дирижёра - Сергея Рахманинова, находящегося в тот период в творческом кризисе из-за неудачного исполнения его первой симфонии. «Предлагая мне место дирижёра, - вспоминал Рахманинов, - Мамонтов сказал, что пригласил в труппу молодого певца, обладающего беспредельным талантом, с которым, он был уверен, мне будет приятно работать. Такая оценка не оказалась преувеличенной: это был Федор Шаляпин». Впоследствии Рахманинов писал: «Моя дружба с Шаляпиным - это одно из самых сильных, глубоких и тонких переживаний всей моей жизни». Их симпатия друг к другу была взаимной. Помимо творческого влияния, между ними складывались дружеские отношения, которые они пронесли через всю жизнь.

Рахманинов и Шаляпин много музицировали вместе, выступали в концертах. «Проходя оперные партии, а потом разучивая романсы для совместного выступления на концертах, чуткий гениальный певец подхватывал малейшие указания или совет более музыкально образованного Рахманинова и исполнял вещи так, как только он мог это сделать. Рахманинов же, увлекаясь его исполнением, дополнял его, изумительно аккомпанируя ему. В течение многих лет москвичи имели возможность наслаждаться неповторимыми, единственными в мире концертами, где два таких артиста выступали вместе и потрясали присутствующих своим неподражаемым исполнением», - писала сестра Рахманинова С.А. Сатина.

Современники восхищались этим удивительным дуэтом: «Когда Фёдор Иванович пел, а у рояля был Сергей Васильевич, неправильно было бы сказать, что Рахманинов аккомпанирует. Они именно пели оба. Что это было за наслаждение! Исполнение их было поразительным и непревзойдённым».

Программа их совместных выступлений была разнообразна. В неё входили и романсы самого Рахманинова. Пять романсов было посвящено Шаляпину: «В душе у каждого из нас», «Воскрешение Лазаря», «Ты знал его», «Опричник». Но больше всего Шаляпин любил исполнять романс «Судьба» на слова А.Н. Апухтина, в котором развита тема судьбы из Пятой симфонии Бетховена. На оригинале романса «Судьба» Сергей Васильевич написал: «Федору Ивановичу Шаляпину посвящает его искренний почитатель С. Рахманинов. 21 февраля 1900 г.» Когда Шаляпин пел романс в сопровождении Рахманинова, слушатели приходили в состояние настоящего оцепенения.

Именно для Шаляпина Рахманинов писал свои оперы «Франческа да Римини» и «Скупой рыцарь». Но, к сожалению, на премьере партии главных героев исполнял другой артист. На вопрос, почему пел не Шаляпин, Рахманинов в ответ ретировался. Не стал объяснять всем, что Шаляпин поленился выучить предложенные партии, из-за чего друзья даже поссорились.

Одним из любимых мест Рахманинова была Ивановка, имение в Тамбовской губернии. Окружающая природа приводила Сергея Васильевича в восторг и изумление, вызывала прилив вдохновения. Он проводил в Ивановке каждое лето, напряжённо и плодотворно работая. Шаляпин нередко гостил у своего друга. Совместные чаепития и беседы еще больше сблизили двух выдающихся музыкантов. После приезда Рахманинова, а затем и Шаляпина, в США, их встречи возобновились. Эти встречи были дороги для обоих. Музыканты мучительно переживали разлуку с родиной. Часы, проведённые вместе, согревали и поддерживали двух друзей.

За день до смерти (11 апреля 1938) у постели больного певца состоялся последний разговор между друзьями. Шаляпин высказал мысль, что, если поправится, напишет книгу для артистов, темой которой будет сценическое искусство. Рахманинов в тон певцу сказал, что тоже напишет книгу, как только закончит выступления. Но она будет о Шаляпине. Фёдор Иванович одарил друга улыбкой и погладил руку Сергея Васильевича. На этом, как вспоминал Рахманинов, они расстались. Навсегда!

Горячий патриот, благородный человек, Рахманинов не удивил близких своей щедрой помощью советским воинам в Великую Отечественную войну. В марте 1943 года пришла горестная весть: умер Рахманинов.

Сергей Рахманинов не написал книгу о Шаляпине, но оставил такие проникновенные строки о нём: «Шаляпин никогда не умрёт. Умереть не может. Ибо он, этот чудо-артист, с истинно сказочным дарованием, незабываем... Для будущих поколений он будет легендой».

Эти слова характеризуют обоих музыкальных гениев. Всю свою жизнь они прославляли русскую музыку, восхищая современников и соотечественников. Их слава перешагнула границы России, покорила западную публику, повлияла на развитие мирового оперного театра. Они были и остаются музыкантами на все времена, а их искусство - национальным богатством русского народа. 

Концерт завершил «Реквием Марины Цветаевой: «Уж сколько их упало в эту бездну…». Зрители уходили с концерта в каком-то приподнятом настроении. Никто не сомневался в том, что слава двух гениев одной эпохи перешагнула границы России, покорила западную публику, повлияла на развитие мирового оперного театра и, бесспорно, покорила ташкентских зрителей в очередной раз.

Гуарик Багдасарова, искусствовед, член СЖ Узбекистана 

В Ташкенте подведены итоги Х Международной биеннале современного искусства

 

        В узбекской столице С 14 по 18 октября 2024 г. успешно прошла X Международная биеннале современного искусства на разных площадках города, включая Центральный выставочный зал Академии художеств  Узбекистана; Галерею изобразительного искусства Национального банка; Ташкентский дом фотографии; музей им. Камаледдина Бехзада и Международный караван-сарай культуры (МКСК) Икуо Хираямы АХУз. Художники из 40 стран представили свыше 120 произведений искусства, провели мастер-классы, участвовали в международной  конференции, посвящённой главной теме биеннале – «Искусство и мир», их взаимовлиянию. Евроазийские художники и кураторы из Франции, Германии, России, Южной Кореи, Китая, Великобритании, Кыргызстана, Австралии, Азербайджана, Венгрии, Японии и других стран мира   активно обсуждали роль прогрессивной культуры в объединении народов мира под сенью искусства, созданного на незыблемых общечеловеческих ценностях с древнейших времён до наших дней.

          Проекты иностранных участников биеннале, представленные на данной выставке, демонстрировали одну и ту же тему совершенно по-разному. Художники её интерпретировали в разных видах и формах современного искусства. Таким образом роль искусства в современном мире, его отношение к обществу, их взаимная гармония были отражены в произведениях разнообразными сюжетами, формами и неподражаемым колоритом.

         Особенное внимание к себе привлекла масштабная инсталляция в центре выставочного зала на первом этаже «Последний крик» художника Юнуса Сафардияра. В настоящее время художник живёт и работает в Лондоне. «Последний крик», по мнению автора, это наглядная демонстрация того, как человек пытается сбросить с себя оковы старых, изживших себя предрассудков и непонимания законов вселенной, в которой человечество  существует миллионы лет. Он хочет найти в себе и вокруг себя умиротворение, сострадание и веру в Бога. В новую эпоху разрушительных природных катаклизмов и войн художник призывает людей вернуть планете Земля исконную человечность. Автор убеждён, что люди попробуют сделать это даже у последней черты, вложив в последнем крике всю свою надежду и веру в Мир, Добро и Любовь.

          Шухрат Абдумаликов, автор инсталляции «Последний колокол» выразил ту же идею, но только другими средствами – старыми закопчёнными вёдрами от того, что в них, возможно, когда-то варили смолу или просто они почернели от времени. В этой подмене смыслов есть что-то трагическое в осмыслении сакральных ценностей, утративших первоначальное священное значение в нашем противоречивом воинственном мире, так что хочется задать риторический вопрос: «По ком звонит последний колокол?» - может быть, по непреходящей ценности вещей и человеческой жизни…

          Хурпшид Зияханов представил живописный триптих «Семь звёзд». Он ассоциируется с поэмой Алишера Навои «Семь планет» из его знаменитой «Пятерицы». Символическая цифра «семь» вынесена в название работы согласно традиции, а «семь звёзд» в данном случае соответствуют традиционным представлениям о планетах – покровителях людей, их судеб, их характеров. Это произведение отличается загадочностью сюжета и  декоративным решением художественной задачи.

          Эркин Джураев своим оригинальным произведением «Давайте сфотографируемся!» почти документально воспроизвёл фотопортреты близких людей. Художник дополнил его реальным рушником под этим семейным «иконостасом» – полотенцем из домотканого холста для украшения стен дома в праздничные дни, оформления красного угла, а также для совершения обрядов. В этой композиции обыденный предмет приобрёл и ритуальное назначение: художник наделил его семантикой пути, дороги, соединения, связывания. Зрители невольно задерживаются перед этим диптихом, чтобы вспомнить своих родных и задуматься о родословных корнях.

          Художник Назира Кузиева, фантазёр до мозга костей, с характерным для неё новаторством художественной натуры и философским обобщением ума. Однажды она удивила зрителей «Садом любви» и незабываемой серией работ из имитированных плодов граната на персональной выставке керамики и инсталляций в 2015 году в ТДФ , которую я назвала «Радение с гранатом» в своей книге «Дорога без конца» трилогии «Мои дорогие попутчики» (Т., 2024). В этот раз художник вновь из самого простого подручного материала смогла создать новое эстетическое пространство, которое назвала «XXI век - 21» и наполнила его красотой и полётом своей неугомонной души. Мастер декоративно-прикладного искусства признаётся, что каждый раз в своих работах она заново открывает саму себя. В этот раз Н. Кузиева создала корабль с белыми парусами, оснащённый ключами, и так объяснила свой замысел:

- …И вот каждый ключик, который здесь висит, предназначен для  двери в рай или ад. Если человек праведный, - он этим ключом откроет  вход в рай, а грешный - попадёт в ад.

          С этими словами Назира на моих глазах оторвала от корабельных снастей заветный ключ и подарила его на счастье фотохудожнице из Германии, уроженке Узбекистана, Марии  Дворцис в знак творческой дружбы и взаимной симпатии.

Алишер Мирзаев  пригласил зрителей своей праздничной декоративной картиной на «Навруз в Самарканде». Жанровая композиция в лубочном стиле построена как восточная миниатюра: здесь нет даже намёка на перспективу. Ближние и дальние планы в ней одноразмерны; нет и пространственных сокращений; окраска лиц,  одежд,  горных хребтов и архитектурных деталей однотонны и ровны. Они лишены пластического  выявления форм. Но все эти условности восточной миниатюры, закрепившиеся на века, нисколько не умаляют художественного значения этого яркого произведения. Художник – мастер колористического решения холста: его красочная гамма звучна и разнообразна. Здесь все персонажи играют и поют в современной обстановке и знакомой среде; краски звучат голосами национальных инструментов и самих улыбчивых весёлых персонажей. В этом магия творчески обновляемого искусства: при всей условности миниатюрной живописи, эта композиция воспринимается вполне реально и жизненно.

          Куратор Х Ташкентской международной биеннале современного искусства, доктор искусствоведения, Сухроб Курбанов, подводя её итоги, подчеркнул, что, в целом, была достигнута главная цель - исследование взаимосвязи искусства и современности. В своих работах художники в различных видах искусства - живописи, скульптуре, инсталляции, видео-арте и перфомансе -  отразили свой взгляд на современный мир, который столкнулся с множеством глобальных вызовов на фоне поляризации общества. Зарубежные мастера готовы приехать в Узбекистан ещё раз, т.к. здесь их приняли очень гостеприимно и у них родились новые творческие идеи в ходе знакомства с нашей страной, активном общении с коллегами из евроазиатских стран, интенсивном творческом обмене с другими участниками Международной выставки.

      Подводя итоги Х Международной биеннале, председатель Академии художеств Акмаль Нуриддинов поблагодарил всех организаторов выставки, её участников и зрителей, активно посещавших в эти дни художественные музеи и галереи, выставочные залы узбекской столицы за огромный интерес к современному искусству. Он, в частности, сказал:

- Сегодня в Узбекистане национальное изобразительное искусство продолжает активно развиваться. В сферу искусства решительными шагами приходит много талантливой молодёжи, со своим стилем и творческим путём. Эта биеннале открыла широкие возможности для демонстрации их творчества мировым художникам, а также для знакомства наших молодых художников с творчеством мастеров мировой живописи и установления диалога между ними. Здесь нет побеждённых: каждый участник –  достойный победитель биеннале.

С 2001 года биеннале проводится раз в два года при активной поддержке государства, АХУз и Дирекции художественных  выставок и служит платформой для культурного обмена в области визуальных искусств, обсуждения актуальных проблем и знакомства с современным творческим потенциалом различных стран.

Я очень надеюсь, что мы стали ближе друг к другу. Мы ждём всех художников-участников биеннале через два года с новыми творческими проектами в нашем гостеприимном городе – цитадели мирового искусства.

На Церемонии закрытия X Ташкентской международной биеннале современного искусства выступавшие дипломанты и лауреаты фестиваля выразили благодарность организаторам за разнообразную художественную,  научную и экскурсионную программу в Ташкенте,  а также за  посещение Самарканда и знакомство с его историко-культурными памятниками и достопримечательностями народно-прикладного искусства.

Все присутствующие на закрытии биеннале долго аплодировали победителю Гран-При в номинации «Красота и очарование народного творчества» - фотохудожнику Владимиру Васильевичу Гончаренко, обладателю специальной статуэтки и приза в 15 млн. сум. Вот что рассказал счастливый лауреат Х Международного биеннале о себе и серии фотографий в эсклюзивном интервью обозревателю «Культура.Уз» - Г. Багдасаровой:

- Мои фотографии – девять экспонатов этнографического направления - демонстрировались в ТДФ в дни работы Международной выставки. Это были музейные женские костюмы народов Узбекистана. Для демонстрации каждого экспоната я нашёл соответствующую модель той же национальности: простые девушки, не имеющие никакого отношения к модельному бизнесу, облачившись в старинные национальные одежды, тотчас преображались внешне и внутренне. Я охватил почти все регионы, кроме Ферганской долины, – снимал в Ташкенте, Бухаре, Самарканде, Сурхандарье, Хиве и других азиатских городах. Вообще, у меня уже накопилось около сорока снимков: лучшие из них были представлены на Биеннале.

- Как ваша жизнь и работа связаны с фотографией? 

- По специальности я авиатор и много лет проработал на Авиационном заводе в Ташкенте, где приходилось работать начальником фотолаборатории.  Я занимаюсь фотографией много лет. Мой учитель в фотоискусстве  - Рафаль Готов из Москвы, работавший в фотохронике ТАСС. Он меня многому научил.  Тогда не было фотошопа и малейшая лишняя деталь могла испортить снимок. В настоящее время успешно сотрудничаю как фотограф с журналом «Наука и техника».

Как Вы решили участвовать в  Х Биеннале?

- Я много раз участвовал на международных выставках и даже в 2010 году был победителем международного биеннале. Тогда я выставлял фотопейзаж. Меня когда-то вдохновил Марио Тестино, британский фотограф перуанского происхождения, один из важнейших мастеров модной фотографии. Я увидел его снимки в интернете, выполненные в Каракалпакии, и подумал, что люди приезжают с другого конца света, чтобы заснять местные достопримечательности, включая костюмы, но мы сами не лыком шиты…  В настоящее время по договору с хокимиятами городов Узбекистана снабжаю своими фотографиями альбомы по искусству, археологии, этнографии, туризму, в их числе такие фотоальбомы, как «Бухара», «Сурхандарья», «Ташкентская область» и др. В перспективе я собираюсь сделать персональную фотовыставку  того этнографического направления, которую дополню недостающими  снимками из Ферганской долины.

          Осталось добавить, что церемонию закрытия биеннале украсила короткая праздничная программа с участием юных музыкантов Узбекистана: «Молодым везде у нас дорога!..»

Гуарик Багдасарова, искусствовед, член СЖ Узбекистана

 

 

 

 

 

 

         

 

"Молодые певцы в стране оперы" на Малой сцене ГАБТ покорили молодёжную публику

 

         Десятого октября 2024 г. в камерной атмосфере Малой сцены в Музыкальной гостиной ГАБТ им. А. Навои развернулось удивительное музыкальное действие. На одной сцене собрались молодые и перспективные исполнители, которые только начинают свой путь в мире классической музыки. Программа концерта продолжалась два часа и охватила 15 номеров – это были лучшие и малоизвестные произведения русской и европейской оперы. С некоторыми из них публика была знакома по репертуару ГАБТ им. А. Навои, но услышала нечто совершенно новое в искреннем исполнении молодых артистов, привнёсших свою частицу души и своё мировоззрение в понимание и интерпретацию мировой классики.

          Так, совершенно по-новому прозвучала Ария Марфы во дворце из оперы «Царская невеста» Н.А. Римского-Корсакова в исполнении Катерины Свиридовой в ансамбле с Людмилой Слоним (партия фортепиано).  Опера была создана в 1899 г. по мотивам драмы русского поэта, переводчика и драматурга Л.А. Мея (1822—1862). Премьера оперы состоялась 22 октября (3 ноября) 1899 года в московском театре частной оперы С.И. Мамонтова, ныне музее, где приходилось мне неоднократно бывать во время учёбы на журфаке в МГУ им. М.В. Ломоносова. В такой же камерной обстановке на концерте звонко и трепетно звучал голос (сопрано) Катерины, воссоздавшей на Малой сцене светлый, чистый и хрупкий образ Марфы, невесты царя, — один из наиболее обаятельных женских образов в творчестве Н.А. Римского-Корсакова.  Эта любимая всеми русская опера давно не сходит с афиши ГАБТ, расширяя круг своих поклонников.

Внешне обаятельная и с большим душевным потенциалом, Катерина Свиридова профессионально исполнила сложную Каватину Людмилы из оперы «Руслан и Людмила» Михаила Глинки в ансамбле с Людмилой Слоним (партия фортепиано). Вокальная партия героини продемонстрировала  сочетание черт традиции бельканто и особенностей русского национального мелоса. Для её исполнения требуется владение высокой техникой пения. Образ Людмилы, созданный Глинкой в опере, требует от артиста особой эмоциональной яркости, внутренних сил, быстрого переключения чувств. Молодой певице пришлось задействовать широкий арсенал средств актёрского мастерства и перевоплощения на Малой сцене ГАБТ, чтобы вызвать в Музыкальной гостиной возгласы «Брава!».

Ленара Закирова (сопрано) – проникновенно и обаятельно исполнила Каватину Лейлы из оперы Жоржа Бизе «Искатели Жемчуга». Ей удалось передать трепетность ожидания встречи с любимым, неясное предчувствие грядущих перипетий. Она же убедительно раскрыла всю непростую правду чувств в двух романсах П.И. Чайковского – «Нам звёзды кроткие сияли…» и «Скажи, о чём в тени ветвей…».

Навруза Мамарджабова в ансамбле с Зариной Шаметовой донесли до зрителей во всей нежной лирической красоте Вальс Мюзетты из оперы «Богема» Дж. Пуччини, написанной по мотивам романа Анри Мюрже. Премьера оперы состоялась в 1896 г. в Турине.  Продолжатель традиций великого Верди и последний представитель итальянской оперной классики, Пуччини дал импульс к развитию оперы ХХ века. Опера в стиле «веризм» принесла Пуччини мировую славу. Язык оперы лиричен и одновременно драматичен. Так, стремительный вальс вырисовывает образ Мюзетты. Свежая, утренняя музыка открывает третий акт, сменяется страданиями Мими, а затем постепенно приобретает драматический характер. Если говорить о «Богеме», то без известных арий Мими и Рудольфа и без вальса Мюзетты трудно представить себе историю оперного искусства.

Филипп Эль-Танани артистично исполнил Арию Атиллы, «короля гуннов»  из одноимённой героико-патриотической оперы Джузеппе Верди в ансамбле с Людмилой Слоним.  Патриотическая опера о борьбе жителей Адриатики против захватчиков вызвала общественный резонанс. Она была впервые представлена 17 марта 1846 года в театре Ла Фениче, в Венеции. В Арии слышны предчувствия гибели - отзвуки трагической судьбы завоевателя. Во время свадебной церемонии лагерь гуннов окружают римляне, и, когда они бросаются в наступление, Одабелла-невеста закалывает Аттилу.

Мадине Мухаммадиевой (сопрано) пришлось испытать свой многообещающий талант в двух разных по характеру партиях - Арии Лауретты из одноактной оперы «Джанни Скикки» итальянского композитора  Джакомо Пуччини, написанной в 1918 г.,  и Арии Мими из оперы «Богема» того же композитора (1896 г. ). Партия фортепиано – Зарина Шаметова,

«O mio babbino caro» — это ария сопранового репертуара. Лауретта поёт своему отцу о своей любви к Ринуччо, с которым они не могут пожениться из-за отсутствия приданого (семья Ринуччо не даёт ему позволения жениться на бесприданнице). Лауретта умоляет своего отца помочь, после чего он и придумывает авантюру.

Ария молодой бедной швеи и цветочницы Мими из одной из самых исполняемых опер в мире – «Богемы», постоянной и в репертуаре ГАБТ, - полна очарования простой девушки, поведавшей о  своей тяжёлой жизни  и пробудившейся влюблённости в поэта Рудольфа. В этой арии пробивается и одиночество, и бедность, и естественное желание любить – этот   букет чувств смогла передать молодая певица приятным тембром и природным артистизмом.

          В сценах из оперы «Алеко», написанной 19-летним композитором  Сергеем Рахманиновым в 1892 г. всего за 17 дней, состязались три молодых солиста ГАБТ: это лучший из лучших певцов на сегодняшний день в Узбекистане - Бекзот Садыков в роли Молодого Цыгана; Мария Сотникова (Земфира); Камолиддин Мухаммадиев (Алеко) в «Сцене Земфиры и Алеко и каватина Алеко». Они заставили зрителей окунуться в театральное действо. Перед их глазами разыгралась трагедия трёх сердец. Все три солиста справились со своими задачами превосходно в ансамбле с Людмилой Слоним (партия фортепиано).

 Садыков также страстно, с полной отдачей чувств, исполнил сложную Арию и стретта Альфреда из оперы «Травиата» (1853 г.) реформатора Джузеппе Верди по роману и пьесе А. Дюма-сына «Дама с камелиями» в ансамбле с Людмилой Слоним (партия фортепиано). Верди выступает убеждённым сторонником полифонической драматургии, раскрывающей жизнь во всем её многообразии и сложности. У Дж. Верди, начиная с его оперы «Риголетто», место броской внешней театральности занимают яркая контрастность, драматизм, правда психологических характеристик. Бекзот Садыков превосходно выполнил социальный замысел композитора – его Альфред идёт по «праведному» пути. 

          Шохида Нурматова напомнила всем присутствующим романс  «Бахор»  («Весна») советского композитора и дирижёра, народного артиста Узбекистана Толибжона  Содикова в ансамбле с Зариной Шаметовой (фортепиано), полный  жизнеутверждающей силы и мечтательности лирической героини.

Феруза Юсупова блестяще исполнила Арию Турандот из оперы «Турандот» Джакомо Пуччини. Партию фортепиано созвучно вела Зарина Шаметова. Они смогли сходу ввести зрителей в сказочный волшебный мир Карла Гоцци.

         Программу концерта завершила Мария Сотникова, зажигательно исполнив в ансамбле с Людмилой Слоним (партия фортепиано) под звуки кастаньетов романс «Испанское болеро» французского композитора Лео Делиба, создателя балетов, опер, оперетт, на стихи Альфреда де Мюссе ("Красавицы Кадикса замуж не хотят"). Это было сделано весело, в танцевальной манере, с чувством гордости, и девической чести, и достоинства.

       В целом, в концерте были задействованы около 15 солистов ГАБТ им. А. Навои. Они смогли погрузить зрителей в мир волшебных мелодий и событий жизни героев: молодые голоса и искренность излучения душ молодых артистов в ансамбле с талантливыми концертмейстерами поведали свои истории и подарили публике, в большинстве своём такой же молодой, как участники концерта, - живые незабываемые впечатления.     

                                                 

Зрители смогли насладиться яркими ариями и дуэтами из знаменитых опер, а также современными произведениями, которые раскрыли индивидуальность каждого участника. Каждый певец представил свой индивидуальный стиль и интерпретацию, создавая неповторимую атмосферу творчества и вдохновения.

По мнению автора композиции, режиссёра и ведущего – заслуженного деятеля искусств Узбекистана Андрея Слонима, многие выступления станут первыми заявками молодых артистов на воплощение своих героев в будущих спектаклях. Концерт стал не только праздником музыки, театра, Оперы, но и прекрасной возможностью поддержать молодых артистов. Публика горячо реагировала на выступления певцов, тем самым она подарила им шанс продемонстрировать свои таланты широкой аудитории. Вечер был наполнен эмоциями, страстью и искренностью, что сделало его незабываемым событием для всех любителей оперного искусства.

Гуарик Багдасарова, искусствовед, член СЖ Узбекистана

Фото автора и Людмилы Ким

 

 

Опера Генделя «Тамерлан» в ГАБТ вызвала горячие споры и бурные овации зрителей

 

        Воистину, событием мирового значения стала премьера оперы "TAMERLANO"  немецкого и английского композитора Георга Фридриха Генделя (1675-1759) на сцене ГАБТ им. А. Навои второго-третьего октября 2024 г. в интерпретации известного итальянского режиссёра Стефано Пода. Постановка инициирована Фондом развития культуры и искусства Узбекистана. Фонд развития культуры и искусства инициирует и реализует проекты, направленные на развитие культуры, искусства и архитектуры в республике. Фонд поддерживает молодые таланты, а также продвигает культурный потенциал Узбекистана на мировой арене. В наше время особенно востребованным форматом культурного обмена продолжают оставаться гастроли. Театральные и музыкальные творческие коллективы из всех стран СНГ и Западной Европы регулярно выступают в узбекской столице, а наши — пользуются успехом в братских республиках и дальнего зарубежья.

Опера «Тамерлан», одно из лучших произведений Генделя, была написана композитором за 20 дней в июле 1724 года. Премьера «Тамерлана» состоялась 31 октября 1724 года на сцене Королевского театра в Лондоне и говорит об огромном интересе  к личности Амира Темура  в Европе, где его называли Тамерланом. Основателя империи Тимуридов воспевали как спасителя Европы от нашествия войск турецкого султана Баязета. С тех пор, путешествуя по городам Америки, Германии, Испании, России, опера Генделя претерпела значительные изменения в духе требований нового времени. В Ташкенте, по мнению режиссёра-постановщика ГАБТ им. А. Навои, заслуженного деятеля искусств Узбекистана А.Е. Слонима, раньше она демонстрировалась только в концертном исполнении.

Эта история, полная страсти, любви, предательства и благородства, разворачивается в пекле военных событий XIV века. В спектакле на фоне монументальных декораций дворца Амира Темура развиваются камерные эпизоды любовной истории. На первый взгляд, монументальность декораций кажется чрезмерной и подавляющей человека, но в защиту сложной конструкции, имитирующей на сцене высокие своды дворца, надо вспомнить высказывание крупнейшего историка архитектуры, изобразительного и прикладного искусства Среднеазиатского региона - Галины Пугаченковой. Она подчёркивала в своём труде «Из художественной сокровищницы Среднего Востока» (Т., 1987), что архитектура эпохи Амира Темура выражала имперскую идею и отличалась небывалой торжественностью зданий, масштабностью и пышностью декора.  

На сцене также широко и масштабно разворачиваются в музыкально-пластическом выражении сцены сражения между армией османского султана Баязета I и войсками великого тюркского завоевателя Тамерлана. Это сражение произошло в 1402 г.  в окрестностях Анкары. В той битве армия Баязета была разгромлена и это поражение стало не только военным, но и личным крахом султана, что послужило кульминационным моментом в опере Генделя. В грандиозном боевом сражении армия османов терпит поражение. У многих зрителей на глаза даже наворачивались слёзы, когда на поле битвы, где гремят звуки сражения и сталкиваются люди, кони, - армия незадачливого неумелого полководца Баязета несёт тяжёлые потери, что сильно бьёт по боевому духу его воинов. Однополчане со сцены выносят тела поверженных воинов одного за другим и над каждым совершают ритуал прощания с ним. Баязет, не вынеся позора поражения и грозящего бесчестия дочери, кончает жизнь самоубийством, выпив яд.

Сердце Тамерлана прожгла любовь к Астерии, дочери его противника Баязета. Однако пройдя через все испытания своей страсти, Амир Темур, в конце концов, останавливает свой выбор на Сарай Мульк-ханум, дочери Казан-хана из чингизидской династии. Именно ей суждено было стать любимой женой Амира Темура, непобедимого полководца и стратега, стремящегося объединить разрозненные земли под своим началом. Брак с Биби-Ханум обещал укрепить политические связи и обеспечить стабильность в регионе. Опера Генделя «Тамерлан» завершается помилованием великого полководца своей пленницы Астерии и отказом насильно жениться на ней. В финале оперы звучит любовный дуэт Тамерлана и Биби-Ханум, вслед за которым хор поёт о том, что любовь способна спасти свет от тьмы. В этой идее заключается катарсис всего оперного действа и нравственного возвышения тирана над собственным эго завоевателя через его любовные страдания и сочувствие пленнице, свободолюбивой Астерии. Это прозрение  живой души подтверждается историческим высказыванием Тамерлана: "Добродетель ведёт к великим делам".

Народный артист Узбекистана Женисбек Пиязов (Амир Тимур, бас-баритон); драматическая актриса Юлдуз Раджабова (Биби Ханум, принцесса Сарай Мульк-Ханум), а также артисты балетной труппы ГАБТ справились со своими ролями в спектакле на должном уровне с западными звёздами -  Хуан Санчо (Османский султан - тенор); Вероника Канхеми (дочь Баязета - сопрано) и вызвали в зрительном зале продолжительные овации, когда артисты выходили на поклон. Сам спектакль шёл в полнейшей тишине: зрители, затаив дыхание, следили за развитием событий. В постановке было задействовано 160 артистов.

В новой концепции итальянского режиссёра Стефано Пода соединились гениальная музыка Генделя, отца европейской оперы, и национальная узбекская музыка. Пожалуй, впервые в современном спектакле были объединены Национальный симфонический оркестр Узбекистана (главный дирижёр – заслуженный артист Узбекистана Алибек Кабдурахманов); Заслуженный хоровой коллектив Узбекистана под руководством Гульнары Маликовой и наряду с ними барочные музыканты и артисты Оркестра народных инструментов под руководством Карима Аширматова; карнай-сурнай группа Узбегим -  руководитель Камила Муминова и другие отечественные художественные коллективы. Эту современную интерпретацию узбекской традиционной и фольклорной музыки в диалоге эпох и культур выполнил российский композитор Кирилл Рихтер. Опера исполнялась на итальянском языке, органично включившая в себя узбекскую речь в речитативах Тамерлана и Биби-Ханум, газель Джахан-Атын Увайси и обрядовую народную песню “Yor-Yor”, рубаи Бабура в хоровом исполнении – музыкально-поэтические шедевры средневекового Востока.

Новый спектакль вновь всколыхнул общественный интерес узбекистацев к личности Амира Темура. Амир Темур (1336-1405) -  тюрко-монгольский завоеватель, который основал империю Тимуридов на территории современного Афганистана, Ирана, Месопотамии, Северной Индии и Центральной Азии и стал первым правителем династии Тимуридов. Это крупный средневековый государственный деятель, великий полководец, основатель сильного централизованного государства, покровитель науки и культуры. Он вошёл в мировую историю не только как непобедимый лидер, но и как творческий человек, который на каждом шагу заботился о благополучии страны, её развитии, образовании, науке и искусстве. Таким образом, он положил начало «Возрождению эпохи Тимуридов» в мировой истории. Заслуги Амира Темура достойно оценивают не только жители Узбекистана, но и весь просвещённый мир. Жизнь и деятельность одной из величайших личностей в истории человечества привлекают внимание всё больше исследователей, деятелей искусства и культуры за пределами Узбекистана. Для каждого соотечественника большая честь изучать и узнавать о жизни искусного полководца, являющегося историческим примером для человечества своей зрелой и великой личностью.

Амир Темур оставил после себя сложное наследие, включая свою жестокость и стремление к культурному развитию, что делает его одной из наиболее противоречивых фигур в истории Центральной Азии. Армия Темура была многоэтничной и её боялись по всей Азии и Европе, часть территорий которых была опустошена его военными кампаниями. По оценкам некоторых учёных, завоевания Тамерлана привели к гибели миллионов людей.

Спектакль, в целом, вызвал много вопросов, на которые в эксклюзивном интервью обозревателю сайта «Культура.Уз» попытался ответить руководитель Национального симфонического оркестра Узбекистана, главный дирижёр, заслуженный артист Узбекистана  Алибек Кабдурахманов, имеющий непосредственное отношение к успеху премьерного спектакля «Тамерлан» в Ташкенте.

- Алибек! Как Вы восприняли новую постановку режиссёра Стефано Пода исторической оперы Генделя «Тамерлан»? Что Вы приняли за оправданную истину современной интерпретации сюжета в вечно развивающемся искусстве, а что не хватило Вам в новом либретто Николо Франческо Хайма и Паоло Джани? Как Вы отнеслись к политической окраске образа Тамерлана-тирана и жестокого завоевателя в спектакле?

- У европейцев издавна существует особый интерес к личности Амира Темура, оградившего Европу от завоевания её Османской империей. К ней обращались не только Гендель, но и другие композиторы – итальянский композитор Антонио Вивальди, известный чешский композитор Йозеф Мысливечек, современный российский композитор Александр Чайковский, а также народный поэт Узбекистана Хуршид Даврон и режиссёр-постановщик — народный артист Узбекистана Баходыр Юлдашев. В советской литературе мы знаем роман-эпопею под названием «Звёзды над Самаркандом» народного писателя Узбекистана Сергея Бородина. В мировой  живописи –  русского художника Василия Верещагина и одну из его наиболее известных, философских и пацифистских картин  - «Апофеоз войны» (1871). Изначально полотно называлось «Торжество Тамерлана». Замысел был связан со средневековым правителем и полководцем Тамерланом, войска которого оставляли за собой такие пирамиды черепов. Свою картину художник посвятил «всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим», и в настоящее время она хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Либретто оперы «Тамерлан» представляет собой вольную трактовку событий, произошедших после пленения Баязида (Баязета) в битве при Ангоре. В настоящее время является одной из наиболее часто исполняемых опер композитора. В спектакле мы показали взгляд европейцев на историческую личность Тамерлана со всех сторон, которая отличается от нашего современного восприятия Амира Темура, прежде всего, как государственного деятеля. Надо изучать подлинную историю, в которой Амир Темур навсегда остался непобедимым полководцем, завоевателем, стратегом и одновременно великим созидателем. Достаточно для этого только побывать в Самарканде: Амир Темур перестроил Самарканд и превратил его в одну из прекраснейших столиц мира. 

В оригинальной опере Генделя «Тамерлан» партию Амира Темура исполняет альт-кастрат. Некоторые зрители высказали мнение, что «партия Амира Темура проигрывает в басовой версии, она написана Генделем для контратенора. А бас не передаёт красоту колоратуры». Ваше мнение по этому поводу?

- Причина оказалась самой простой.  Представьте себе, что наш национальный герой Амир Темур в спектакле запел бы высоким голосом – контратенором…  Во времена Генделя это считалось высшим пилотажем. У нас бы этого не поняли: разный менталитет и разные подходы. Женисбек Пиязов адекватно показал власть и мощь правителя через свой низкий голос (бас-баритон). Это было и решение режиссёра Стефано Пода  – соответствовать требованиям нового времени и независимости Узбекистана и желанию оставаться узбекистанцам самими собой, не всегда разделяющим мнения европейцев как в политике, так и в искусстве. Это был наш собственный взгляд на историческую личность.

Какую роль в целом в спектакле и конкретно в восприятии главного героя Тамерлана сыграло множество вставок национального характера в либретто старой оперы?

- Мы пытались создать новый формат оперы. Гендель сформировался в лоне европейской культуры. Мы стремились показать, что в это время происходило у нас в эпоху Темура и Тимуридов: подъём национального Ренессанса. В этом спектакле сталкиваются два мира и создают своеобразный симбиоз культур. Опера Генделя шла более трёх часов. Наш спектакль – длился полтора часа без антракта. Мы хотели не только сократить по времени и объёму оригинал, но внести в него что-то своё – мир меняется, и вместе с ним меняется язык искусства. Вы видели современные декорации и современные танцы. Мы пытались сделать первую национальную оперу с целью привлечь молодёжь - нам это в какой-то мере удалось реализовать. Опера никого не оставила равнодушным: до сих пор идут горячие споры о ней – и мне эта реакция очень нравится. Мы поставили оперу на самом высоком уровне - с этим спектаклем не стыдно выезжать за рубеж по всему миру. Я уверен, что мы ещё наделаем много шума с этой знаменитой оперой Генделя в новой постановке.

Что бы Вы пожелали постановочной группе во главе со Стефано Пода, а также драматургу и ассистенту режиссёра – Паоло Джани в их дальнейшей гастрольной деятельности по миру с этим спектаклем?

- Я хочу выразить огромную благодарность режиссёру-постановщику Стефано Пода. Я считаю, что было правильным решением пригласить его к нам, чтобы соединить воедино в спектакле  – разные  национальные форматы. Итальянский режиссёр прекрасно понимал европейский дух оперы Генделя и одновременно так глубоко проникся менталитетом узбекистанцев, любовью к нашей стране, что смог создать такой своеобразный симбиоз. Мы с ним вместе ездили в Самарканд, посетили в юго-западной части города гробницу Амира Темура и его потомков  – величественный мавзолей Гур-Эмир и некрополь Шахи-Зинда («Живой Царь») – один из выдающихся старинных архитектурных ансамблей Самарканда, расположенный на юго-восточном склоне Афросиаб. Стефан Пода признался мне, что именно опера Генделя и посещение Самарканда открыли для него грандиозный масштаб личности Тамерлана. Он считает, что надо придерживаться такого формата оперы как «Тамерлан» в новой современной интерпретации – за ним стоит будущее мировой культуры. Я бы хотел ещё с ним поработать над балетным спектаклем. В целом, я хочу выразить благодарность Фонду развития культуры и искусства РУз и лично председателю Фонда – Гаянэ Умеровой за активную поддержку нашего смелого проекта.

Многие зрители пожелали увидеть спектакль вновь. TAMERLANO можно записать как фильм-оперу – тем более, что несколько спектаклей из 100 постановок итальянского режиссёра Стефано Пода, действительно, стали фильмами. Несмотря на разные точки зрения на спектакль – от восторга до полного отрицания, зрители пришли к выводу, что современная опера «Тамерлан», в конечном итоге, как и его первоисточник, о том, что «любовь способна спасти свет от тьмы», и выразили свою признательность Фонду развития культуры и искусства Узбекистана за великолепный проект и замечательный подарок узбекскому народу.

 

Гуарик Багдасарова, искусствовед, член СЖ Узбекистана

Фото Ихтедота Усманова и др.